本文的内容

1.名词解释艺术创作。2.为什么学艺术的人都很有个性。3.艺术发展的动力是什么？4.如何理解：艺术是意识的缝隙。

名词解释艺术创作

是指一种积极的、丰富的、深刻的内心活动，伴随着强烈的情感，使艺术家对生活的长期感受、观察和思考，形成艺术创作的基础和前提，甚至萌发出不可抗拒的创作欲望。

1.是指艺术家借助于一定的物质材料和艺术媒介，运用艺术技巧和技法，将自己在意境活动中形成的审美形象物化，成为供他人欣赏的艺术作品和形象。

2.它是人类主动认识和反映世界的基本形式之一，也是艺术创作的主要思维方式。它是利用一定的形象来感知、把握和认识事物的一种思维形式，即通过具体的、感性的形象来认识事物的本质规律。

00-1010我们先简单了解一下什么是艺术。艺术是天赋，是技术，是技巧，艺术是方法。我们可以简单理解为以某种方式展示才华。艺术是一种意识形态，是一种精神上的东西，是自己精神和情感的表达。它涵盖的范围很广，包括书法、绘画、音乐、舞蹈、建筑、电影、文学、戏剧等等。

艺术是需要表达的东西，是需要展示自己才华的东西，所以一定要与众不同，独一无二。艺术可以为大众服务，但毕竟是少数，这也是为什么很多学艺术的人打扮的很奇怪。因为他们需要向别人证明自己与大众不同。再加上学艺术的人需要想象力，需要开放思维。他们不想低俗。尤其是在他们还没有做出艺术成就的时候，他们会渴望表现自己。外在表现形式就是奇装异服，穿的和普通人不一样。但是经过多年的摸索，他们对艺术有了一定的见解，反而会平淡。比如许巍，刚出道的时候曾经留着长发，朋克风。现在她创作的音乐越来越好，但她的衣服却越来越普通。当然，这不能一概而论。有些人，年轻时穿着得体，老了就不落俗套，像达利。其实这个不难解释，因为艺术家和疯子只有一步之遥。

我们经常可以看到一些学艺术的人穿得很奇怪。难怪有几种可能。第一，刻意去做，不落俗套，彰显个性，突出自己的独特性。这些人大多没有什么突出的艺术造诣，只是外表华而不实。二、真正搞艺术的，不要注重外表随便做，尊重内心感受，自在随性，注重内涵和内在修养，不在乎外界的看法。第三，目的性强，通过包装吸引眼球。就像很多流量演员因为炒作丑闻而出名一样。如今，我们应该大力倡导正能量，去伪存真，还社会一个公道，还人间一片净土。

这个问题不能片面，也不能片面看待。有些同学是学美术的，打扮有点特立独行，但大部分还是很普通的。

如果一定要找一些原因，可以考虑以下几点。

20世纪以来，尤其是第二次工业革命之后，这个时代的政治、经济、文化都发生了巨大的变化。他们在对待社会、人、自然、自我关系上失去了平衡，于是在作品中用荒诞、抽象等表达方式来实现作品和自我。当然，这也与当时的哲学思潮有关。自17至18世纪以来，欧洲哲学家一直重视主体的提升。比如笛卡尔的& quot我思故我在& quot就是一个很好的例子，在20世纪得到了进一步的推广。因此，各种学派和学说的兴起都显示了各自的主观精神。从以上背景知识来看，回归艺术家的装扮，会给人一种特立独行的感觉。

其次，艺术往往走在时代的先例中，成为先锋。也是在不断探索中前进，探索的成果往往会成为未来的潮流和时尚。只是这样的探索也是有依据和理论支撑的。也许这个时代觉得这件衣服很怪异，但下一个时代就不会这样了。

我觉得我们艺术生大多穿着普通。我们学校是一所综合性大学。艺术生比较少，学校理科男比较多，所以只要你打扮的时尚或者你染了头发化了妆很好看，他们在学校都会说你是XX艺术生吧？我觉得只是文化生把时间都花在学习上，而思维活跃的艺术生把大量的时间花在学习、穿衣、玩耍上。我是艺术生。我研究了很久，已经把审美摆到桌面上了。我也研究过款式和颜色的搭配。有些人思想更先进。如果普通人不了解或者不在同一层面欣赏，就会觉得人家穿的衣服很奇怪。

第一，学艺术的大多学习很深，以至于不想合群，所以穿着古怪，远离人群，这样可以全职安心从事艺术，不受干扰；

第二，搞艺术的人在审美上不同于常人，同时又在现实中，思想上的审美艺术观也高于现实。

美术生更注重色彩搭配和视觉效果，更注重外在美。这个和这个专业有关，就像音乐生和舞蹈生一样，可能会透露出他们骨子里的气质。

这是个人风格，比如齐白石，张大千等。都有自己的穿衣风格，因为书如其人，任何艺术都是如此。人的性格不同，制作出来的艺术品也不同。但是，无论如何，一定要有‘美’的艺术欣赏价值。艺术品与个人着装无关。

也许他们的性格在外人看来有很大的缺点，但是这些所谓的缺点对他们来说是有价值的，所以他们坚持走自己的路，让那些人看到一切。

　　艺术家是很多死得很早，长不长寿对他们不值一提。命运多舛，人岂可完全主宰?明白了这点，离开人世也是快乐的问。适时把自己嘣掉原是有限自由的不错选择。生命的意义不在长与短，活好不同的每一天，就算短暂，也比只活了一天而重复了几十上百年要好得多。人生正因为答有遗憾才显得个中的快乐格外美、格外需要珍惜，苦与乐总相伴而来，回知苦才知乐。没有缺憾还是人生吗?凡事求全何所益?

　　最好不要把自己当成艺术家(并非特指你)，艺术爱好者这个称呼比较好(最讨厌伪艺术家)。话说回头，我们尽管不当“家”，还是很需要有颗像答艺术家那样的心，那不是不幸，而是幸福的。

应该说是比较个性化吧！因为艺术生的思维跟常人不太一样，对于生活中的事情，事事都能进行艺术创意，也就是一种艺术再创作。穿衣服也是如此！艺术源于生活，却高于生活，所以不是普通人都能接受的，就会觉得怪怪的。一个高境界的艺术家其实在普通人眼里就是个疯子[呲牙]

艺术发展的动因是什么

在人类社会生活的结构中，经济基础是与一定物质生产力相适应的、由社会生产关系的总和构成的现实物质基础。耸立在经济基础之上的上层建筑，是由经济基础影响和制约的政治、制度及思想方式、世界观或社会意识形态的总和。艺术既属于意识形态，又具有不同于其它意识形态的特性。 人类社会是一个有着自身内部结构的有机系统，其中，生产力和与之相适应的生产关系是支撑整个社会的基础，在这个基础上，耸立着“法律的和政治的上层建筑”以及各种社会意识形态，即哲学、宗教、艺术等等。唯物史观认为，物质生活的生产方式制约着整个社会生活、政治生活和精神生活的过程，经济基础的发展对于意识形态具有较强的制约和影响作，随着社会经济基础的变更，上层建筑中的政治、法律、道德、宗教等意识形态，也必然要或快或慢地发生变革。 经济基础的发展对于意识形态具有较强的制约和影响作用，同样，艺术的发展也要受到经济的制约和影响。以生产劳动为中心的人们的经济活动是推动艺术发展的根本原因。 但是，经济对于艺术的这种作用并不是直接的，而是往往要经过一些中介环节。其中包括政治的、社会的、制度的等各方面的因素。正是借助了这些中介，才使得作为时代精神生活重要方面的艺术接受到经济基础的制约与影响，同时也借助这些中介，使艺术又对经济基础施加影响。比如，人们发现，真正与一个时代的精神生活（包括艺术）发生直接联系的，往往是与社会内部的冲突以及反映这种冲突的精神和情感状态有关，而不是经济结构及物质生产过程本身。 因此，我们在强调经济对艺术的制约和决定作用的同时，又应看到，经济的兴衰与艺术的兴衰虽然有着密切的联系，但并不是机械地互为因果关系的。 同时，艺术的发展与经济的发展并不总是同步的，有时艺术的发展显得快些，有时显得慢些，有时甚至与经济呈反方向发展。这种现象，正是马克思所指出的物质生产的不平衡关系。那种认为经济繁盛，艺术一定繁荣，经济衰退、艺术也就一定衰落的看法是缺乏根据的。经济对于艺术固然重要，但二者并不存在同形、同构和直接对应的关系，艺术的繁荣与衰落，其原因是多重的，除了经济的因素之外，还会与社会各个方面的因素有关，仅仅以经济的因素来看待艺术的发展，显然是不全面的。古希腊时代的经济与现代社会相比，无疑是极为原始的，可是为什么古希腊艺术会在某些方面超过现代艺术，而且在马克思看来，还是一种“高不可及的范本”呢？甚至比古希腊艺术更为原始和古老的艺术，就已经达到了相当高度。比如史前期还处在群居状态的一些部落，生产力水平极其低下，但作为一种高级艺术的舞蹈已经出现了，他们创造了令人类学家吃惊的、难度较大而又很美的舞蹈形式。在中国，建国初期的许多少数民族经济相当落后，有的还过着刀耕火种的原始生活，与先进的汉族地区相比，差距很大.但他们也具有了相当发达的舞蹈、对歌等艺术形式。 对此，马克思早在1857年所写的《〈政治经济学批判〉导言》中就说：“关于艺术，大家知道，它的一定的繁盛时期决不是同社会的一般发展成正比例的，因此也决不是同仿佛是社会组织的骨骼的物质基础的一般发展成正比例的。”这种不平衡不仅表现在“艺术本身的领域内部的不同艺术种类的关系中”，而且表现在“整个艺术领域同社会一般发展的关系上。”古希腊开创了文化史上第一个艺术繁盛时期，后来尽管物质生产发展了，但古希腊艺术的代表形式—神话和史诗却停滞了。18世纪末19世纪初的德国，物质生产是落后的，但却产生了歌德、席勒等一批艺术家和思想家。无数现象告诉我们，艺术的发展虽然受制于经济基础及物质生产的发展，但艺术生产和发展的原因是多种多样的，它与社会的一般发展和物质生并不是机械的比例关系，也就是说，艺术生产与物质生产的发展之间存在着不平衡的关系。 研究艺术与经济的关系，就应充分注意不同历史时期物质生产和艺术生产自身的特殊性，以及二者在不同历史时期相互关系的特殊性。再以古希腊而言{的神话不仅是古希腊艺术的宝库，而且是它的土壤。随着物质生产力和社会生活的发展，人们对自然的支配能力及其认识也在变化，那种“用想象和借助想象以征服自然力，支配自然力，把自然力加以形象化”的神话也就消失了。当某种艺术形式赖以生存的社会条件不存在了，那么即使这种艺术发展得如何完美，也难以再发展下去。各种艺术形式的兴衰与嬗变，都可以据此找到原因。中国古往今来许多艺术品种的兴起、繁盛与衰落，也都充分证实了这一点。至于艺术赖以生存的社会条件的基本构成，当然不仅仅是物质生产，还包括政治、哲学、宗教社会心理结构等诸多因素。它们同样也受到经济基础的制约和影响，但在经济与艺术之间，它们又是重要的中介因素。 经济的繁盛，社会生活的稳定，当然有利于艺术的发展，可以为艺术生产提供更雄厚的物质基础，创造良好的艺术创作与消费环境。但这是从一般的角度而言，如果具体分析文化史的一些状况，就会发现事情往往并非这样。在某些经济衰落，甚至危机的年代，同样能产生伟大的艺术品，杜甫是如此，李后主（李熠）也是如此，加之西方的米开朗基罗等人·均生活在动乱的年代。一些国家某种艺术发展的高峰，都不是处在经济与政治发展的盛期。这样讲，并非是说只有经济衰退和社会混乱的时期才能产生伟大的作品，而是说艺术发展的原因是复杂的，应当从多重的因素加以分析和研究，简单地强调“经济决定论”，或是全盘否定经济的作用，都不符合唯物史观。艺术的生产和发展与物质生产之间呈现出多种复杂的情况，值得人们认真加以认真研究。 同样，艺术对经济的某些影响，一般也需要经过上述中介因素才能起到作用。艺术不可能直接影响到经济基础与物质生产的盛衰，更不可能直接作用于经济基础的变更。

怎么理解：艺术是意识的缝隙这句话

马克思认为艺术是一种社会意识形态。从艺术作品的内容上看，艺术作为一种意识形式，它必然是对现实生活的反映。从主体心理来说，人的思想感情一方面反映了它的现实存在，另一方面又表达了它的目的和愿望。创作主体不是孤立于世界之外的个人，其审美情感、审美评价、审美意识有着深刻的现实根源，在阶级社会中还会带有一种阶级性质，尽管这一根源往往是创作主体并不能清醒而自觉地加以认识的。

正是由于这双重因素决定了无论是再现性作品还是表现性作品，其内容无不由当时的社会生活所支配，而作品的价值取向与判断无不与一定的社会力量的利益与愿望相关。已有研究认为20世纪60年代波普艺术、装置艺术、行为艺术、观念艺术等当代艺术的兴起，与美国推行的文化霸权有一定的关系。

马克思在分析人类社会形态的总结构及其相互关系时，明确地将艺术划归于上层建筑中的一种特殊的意识形态。艺术与其他不同形式的社会意识形态，都属于上层建筑的范畴，而且他们彼此之间又都是相互作用、相互影响的。

然而在中国，人们曾一度羞于承认艺术具有意识形态性，认为这样一来必然使艺术政治化，成为政治的附庸。这反映了人们对长期以来对统治文艺界“左”的思潮的逆反和恐惧，以及人们对意识形态作狭隘化的理解，把它完全等同于国家意识形态。这种分歧也源于马克思主义经典理论对“意识形态”这一概念的使用前后并不完全一致。

当然也有研究认为艺术和意识形态二者不可能互为本质，因为艺术只能是“意识形态”可能的表现与存在“形式”，而非意识形态本身。同理，意识形态也只能是艺术作品可能表达的思想倾向，而非艺术的本质。

因此，艺术和意识形态的关系可以更为准确地表述为，艺术具有意识形态性。

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